XIV Festival Internacional de Improvisación Hurtal Cordel. Del 9 al 14 de febrero 2010.
A lo largo de sus trece ediciones, el Festival de Improvisación Hurta Cordel ha venido presentando actuaciones de las figuras más reconocidas mundialmente en el universo de la improvisación musical, práctica artística que hace del riesgo, la experimentación, la incertidumbre y la interacción multidisciplinar sus señales más distintivas. La lista es extensa, y tan sólo por resaltar algunos de los nombres más relevantes podríamos mencionar a William Parker –director de la orquesta FOCO en la pasada edición–, Phil Minton, Peter Brötzman, Barry Guy, Peter Kowald, Pierre Favre o Joëlle Léandre.
El festival se abre con Pandillismo, cuatro reconocidos improvisadores mexicanos que basan su actuación en la manipulación electrónica in situ de los sonidos. Por su parte el ensemble austro-peruano Doubtful Guests combina las improvisaciones gráfica y sonora en una interesante propuesta multimedia.
La experimentación acústica de los hispano-nicaragüenses Badulaque hace uso de micropiezas improvisadas, planteadas como reacción al desarrollo largo y progresivo tan típico de esta disciplina artística. Como contraste, desde Noruega se presenta la experimentación electrónica a dúo de Hegg-Minothi, dos instrumentistas que hacen de la sutileza sonora el germen a partir del cual elaboran todo el discurso de su propuesta. La prolífica escena británica de improvisación viene representada, por una parte, por el joven cuarteto Barkingside, que procede del entorno del free jazz y que cuenta ya con un CD propio que ha recibido muy buenas críticas de la prensa especializada.
También proceden del Reino Unido dos de las integrantes del trío femenino formado por Maggie Nicols, una de las intérpretes vocales más veteranas y reconocidas en todo el mundo; Gail Brand, trombonista con una trayectoria ya consolidada; y la joven pianista belga Marjolaine Charbin. Desde Suiza nos visitará el baterista y percusionista Fritz Hauser, uno de los platos fuertes de esta edición de Hurta Cordel, con una propuesta que hace del uso extendido de la paleta tímbrica de los instrumentos de percusión el eje de una actuación llena de matices.
Y para cerrar el capítulo de invitados, Hurta Cordel acogerá la explosiva unión de dos titanes de la improvisación como son el saxofonista británico John Butcher y el guitarrista y experimentador electrónico japonés Otomo Yoshihide. Ambos han compartido escenario como dúo en contadas –y sustanciosas- ocasiones, lo que hace de su paso por el festival una ocasión, si no única, por lo menos memorable.
Como ya viene siendo tradicional, el fin de semana estará reservado para la actuación de la orquesta FOCO, formada por los músicos miembros de la asociación Musicalibre, organizadora del festival. En anteriores ocasiones hemos podido contar con la dirección de figuras de talla internacional como Lawrence “Butch” Morris, Roland Remanan, Dave Tucker, Walter Thompson, Olivier Benoit, Michael Fischer y el ya mencionado William Parker. En esta ocasión, la orquesta será dirigida por Keith Tippett, figura legendaria del free jazz europeo y reconocido director de orquestas de improvisadores, entre las que podemos mencionar la numerosa formación Centipede, que data de la década de 1960, y la Tapestry Orchestra, que data de la última década del pasado siglo.
Hurta Cordel continúa con la labor divulgativa de la música improvisada emprendida en la anterior edición a través de la oferta de talleres abiertos al público. En esta ocasión, se presentan dos grupos de trabajo que se desarrollarán, en paralelo, a lo largo de la semana, dirigidos por dos músicos con amplia experiencia a nivel pedagógico en el campo de la improvisación. El grupo enfocado a los más pequeños estará dirigido por la cantante ítalo-argentina Érica Zisa, y el pianista y performer barcelonés Josep-Maria Balanyà se hará cargo de un grupo algo más mayor.
El concierto rompe con un tema instrumental de Andrew al violín. Comienza a hacer un solo increíble que paraliza a la audiencia. Líneas con influencias de música clásica-contemporánea. No está calentando, está gustándose, disfrutando de los finales de su larga gira y, de paso, nos pone los pelos como escarpias. Intervalos dramáticos de este post-cantautor existencialista en sus letras, culto e inteligente en su música, genial en su creatividad, de una estética muy peculiar.
El escenario está plagado de micrófonos, tres o cuatro amplis a válvulas y, al fondo, su gramófono de dos cabezas, como un animal mitológico atemporal, presidido por un mono de peluche. Pronto comienza a hacer uso de los múltiples pedales de efectos y “loops”, que muestrean por separado voz, guitarra y/o violín. Se dobla a sí mismo, creando un colchón rítmico a base de arpegios con pizzicato, y cambiando la afinación de la muestra que llega a hacer sonar al violín como un contrabajo, etc.
Ante los primeros aplausos continúa con un blues, por decirlo de alguna manera… “Why did you do that?” Pregunta desgarrado en un silencio total… Y espera… Juega con el ritmo del silencio… intenta decir algo… aspavientos… no le salen las palabras?.. vuelve a preguntar “Why? Why did you do that?”
Los temas se suceden. Una chica se desmaya en brazos del fotógrafo de mU. Pronto su “roadie” le acerca la guitarra y comienza a acompañarse a sí mismo con un sonido cálido, templado,… como son las válvulas del Fender ante una Gibson (todo queda en casa-u.s.a.) mezclado con el método “Suzuki” de aprendizaje musical y humanista. A Charlie Parker le llamaban “Bird” por cómo le gustaban las alas de pollo, aunque nadie duda de que volaba a la hora de tocar. ¿Sera Andrew otro “Bird” por su manera de silbar? Nadie silba como él, salvo quizás los barrenderos de la calle cuando pasean por el campo. Afina, improvisa,… parece que hubiera un Theremin en la sala. En algún tema una voz femenina le acompaña doblando las voces con una afinación exquisita que rompe el aire en mil densos pedazos.
Entre los efectos que utiliza, quizás, el que más llama la atención es su doble gramófono: dos campanas colocadas enfrentadas que comienzan a girar esparciendo el sonido en espiral. Andrew suele colocar micrófonos alrededor de las campanas para captar las idas y venidas del sonido giratorio. Alucinante.
No faltaron temas conocidos como su Happy Birthday Song “Imaginad que es vuestro último día de vida y solamente podéis cantar cumpleaños feliz…” Hay algo de filosófico en sus frases: “esta canción va sobre qué tipo de animales sois… no parecéis perros… ¿qué sois?…” y referencias a la historia, a la guerra entre EEUU y España, en Cuba. Sorprende que, como puede disfrutarse en su trabajo “Armchair Apocrypha”, haya dedicado una canción al imperio Escita (Scythian Empire)
Suena con raíces. Pueden percibirse elementos irlandeses, “folkies”, criollos (zydeco), del jazz… todo ello cargado de sutileza que le convierte en un “músico de auditorio”
Termina con un bis en el que versionea a Dylan y una ovación contundente de un público que dejó acariciarse inmóvil por esa visión tan peculiar que tiene Andrew Bird de la música…
Inmóvil hasta que a los pocos segundos del final, los de la sala rápidamente nos movieron de allí casi a empujones. Por cierto que el de la puerta de milagro me dejan entrar… Hubo gente que se quejó del trato. Un grupo que habían llegado con una hora de antelación se colocaron en las mejores zonas de los laterales, en principio todo legal… hasta que nada más comenzar el concierto, cuando la sala ya está a rebosar fueron expulsados de su magnífico sitio de mala manera.
Y ya en la calle pudimos charlar un poco con Andrew,
mU - ¿No echas de menos tocar en una banda mejor que sólo?
AB - Bueno, a veces sí. El feeling con una banda es distinto, aquí, por ejemplo, en España la gente suele ser muy interactiva. Tocar en una banda fue algo más de mis comienzos…
mU - ¿Cuánto tiempo has pasado aquí en Madrid?
AB - Acabamos de llegar de Polonia y mañana iremos para Valencia y luego Barcelona. Y ya la gira termina.
mU - Hemos visto que sales al escenario descalzo…
AB - Sí, es para poder controlar los potenciómetros y los botones de los pedales con los dedos de los pies…
mU – Siguiendo tu tendencia desde las bandas de jazz, Squirrel Nut Zippers, tus formaciones y ahora en solitario… ¿cuál será la siguiente creación de Andrew?
AB - Bueno voy a tomarme unas vacaciones
mU - ¿ …y en qué parte del mundo te vas a establecer?
Concierto en Madrid
28 de noviembre en: Sala Joy Eslava a las: 21:00 hrs. entrada: 15 euros. 12 anticipada.
Texto: Roberto Mendoza
Lechowski, de nombre Rafael, es un rapero diferente. No es que sea un tipo raro, sino que es un inconforme dentro de un mundillo aparentemente inconformista. Lechowski está en esa línea en la que sus propios compañeros de profesión pueden considerarle un bicho raro. Todo empezó hace un par de años con “Donde duele inspira”, su segundo disco con Flowklórikos. Un trabajo que brilla por una ausencia de poses, por una desnudez lírica y una temática tan personal que vive en una continua ida y venida con la membrana popular. Con el éxito a cuestas, volvió a arriesgar dando bolos con banda de jazz, una música que encaja como un guante en sus rimas crudas. Lechowski tiene ese halo de rebeldía pura, sin premeditación alguna haciendo lo que siente sin importarle nada más. Si no, no se explica su penúltimo trabajo: iola. Es una selección de temas clásicos del soul mezclados por un DJ, según su autor, un ejercicio de micro-documentación para que se pueda entender con claridad su próximo proyecto. Un experimento de rapeo sobre bases puras de jazz, soul o funk. Nada de sampleos, sintex, loops, ni nada que contenga ceros y unos. No me digan que no es un tipo diferente.
¿Todo esto que haces quiere decir que no te llena el rap que se hace ahora?
Hace mucho tiempo que el rap no me llena. Hago rap por que es lo único que sé hacer, pero trato de hacerlo con la máxima libertad y profundidad que puedo, volcando todos mis conocimientos en el. Ser yo mismo y ser útil para los demás.
Que yo use la misma letra para dos canciones y que haya gente que no lo entienda, que yo haga iola y que haya gente que se asuste, responde a la importancia que tiene que se hagan estas cosas con más frecuencia y crear más amplitud de horizonte a la gente.
¿Te consideras excéntrico?
Si, pero también me considero humilde.
¿Quizá un trabajo como Iola viene bien para el rap en estos momentos donde parece que se banaliza todo un poco más?
Espero que sí, yo voy a luchar por ello. Voy a hacer más volúmenes con otros estilos musicales como el jazz, y espero que de aquí a unos años los jóvenes salgan con algo más de gusto y criterio. Pero esto ha de ser una acción colectiva.
¿Qué es el soul para ti?
Una música que agudizó mi fibra sensible, adormecida ella por la niebla de la sociedad consumista y tan manipulada.
Ahora que también haces rimas sobre bases puras, ¿cómo cambia tu manera de crear?
Me siento más vivo, menos mecánico y robótico que con samples, sintetizadores y sonidos artificiales.
¿Crees que se está perdiendo la perspectiva respecto a los orígenes del rap?
Si. Las generaciones anteriores éramos un poco más conscientes de los orígenes ya que estábamos más cerca de ellos, pero ahora los chavales que se unen a la corriente treinta años después de su comienzo, andan muy perdidos. Pero si te soy sincero, veo el rap más relacionado con la Rapsodia Griega, que con el Rap del Bronx.
¿Qué es lo que más te gusta del rap actual?
La fidelidad de su público
¿Y lo que menos?
La ignorancia del mismo.
Te consideran un poeta dentro del rap…¿qué tiene que ver Lechowski con la poesía?¿Te consideras poeta?
Amo la poesía, me parece el caviar de la literatura y la cúspide del sentimiento literario.
La leo desde pequeño, llevo dos años estudiando narrativa y poesía en una escuela de escritores en Barcelona. Tengo conocimientos de poesía, pero no deja de ser lírica, poesía lírica quizás sería lo que yo hago, por el uso de figuras retóricas comunes en la poesía. Hago lo que siento, no me preocupo por donde puedo ser encasquillado.
¿Crees que tendría cabida una poesía de Lorca o Alberti dentro de unos bombos y cajas?
Yo creo que sí, que el rap es la música más cercana a la poesía en este siglo XXI. Pero el movimiento del Rap carece de cultura suficiente como para jugar en la misma liga que la poesía. Pero si los que fueron poetas antaño podrían haber sido raperos a día de hoy.
Aunque hubiera estado sordo, si no hubiera podido oir nada de lo que sonó la noche del viernes 20 en el Nasti, también me habría gustado. Y es que el porte de Isa, agarrada al bajo y moviendo elegantemente la cabeza, es una imagen que ya vale la pena. La punk más glamourosa de la música española tiene una presencia que habla por sí sola de lo que son Triángulo de Amor Bizarro: una hostia de sinceridad y placer a guitarrazo limpio. Sin poses, sin pretensiones, con una naturalidad que dasarma y, sobre todo, haciendo muy bien lo que tienen que hacer. Y el aspecto de Rodri, guitarra y cantante de la mayoría de los temas, no se queda atrás, con esa mirada revirada y extraña, que uno no sabe si va a sacar la navaja o a quemar una iglesia, aunque al final toda su rabia insana sólo fluye a traves de su guitarra y su voz, que escupe esos versos cortantes y oxidados.
Y es que el directo de Triángulo de Amor Bizarro es todo un trallazo, una animalada de potencia y ruido elegante. Tras un sorprendente album de debut, editaron una colección llamada “El hombre del siglo V” un poco más contenida, y quizá por eso temíamos que se estuvieran domesticando. Pero sus conciertos lo desmienten: disfrutan dando hostias, con el bajo a todo trapo, el batería desencajado y la guitarra desbocada. Y todo ello sin perder la compostura.
El viernes estuvieron demostrando todo esto en la sala Nasti, un sitio pequeño para un concierto poco publicitado. Uno de esos conciertos cercanos, dónde se ven las gotas de sudor cayendo por la cara de los músicos y hay que tener cuidado para que no te den un golpe con la guitarra. Una sala “díficil de sonorizar”, como decía Isa, que además explicó que en la prueba de sonido había petado una de las pantallas. Y a pesar de eso el sonido no era malo, con un bajo siempre por delante que golpea como mil demonios. Tan solo la voz de Rodri se oía un poco floja, pero unas letras difíciles de entender son también marca de la casa. Además, poco importa la claridad cuando de lo que se trata es del sucio ruido.
Los Triángulo están rodando en directo sus nuevas canciones para meterse a grabar en breve un nuevo disco, que saldrá “en el Año Santo”. Así, sus conciertos se han hecho más largos, aunque el del viernes durara apenas una hora. “Antes sólo teníamos las canciones del disco, y los conciertos nos duraban media hora” dice Isa. Alguna de esas nuevas canciones, (presentada con cierta ironía como “poppy”), ya despunta como un posible nuevo hit de los gallegos. Otras dejaron al público un poco más frio, obviamente necesitarán varias escuchas. Eso sí, los clasicos como “El Fantasma de la Transición” (que venía al pelo en esta festiva celebración del 20-N) o “El Himno de la Bala”, que sonaron arrolladores, hicieron saltar y menearse a todo el personal.
TAB estrenan también formación, tras la salida del antiguo batería, sustituido por el energético “Judío”, y la incorporación de un teclista que juguetea con los efectos. El triángulo tiene ahora cuatro lados, pero sigue siendo tan puntiagudo como siempre.
Era la segunda vez que venían a Madrid y, bueno, anoche en la sala Joy Eslava (Madrid), quedó muy claro que “Black Lips” está comenzando una nueva época. Lo primero que critico es que, incluyendo un bis políticamente correcto, el concierto no llegó apenas a una hora de duración. Y en ese poco tiempo hubo muchos de sus temazos que quedaron en el tintero: “navajo”, “good but not evil”, “step right up” (para mí el mejor tema de su disco “Good But Not Evil”) “M.I.A.”etc.
El concierto comenzó con un maravilloso ruido… comenzó muy alto. Pero pronto nos dimos cuenta de que las guitarras se escuchaban muy flojas, y el sonido de la sala en general dejaba mucho que desear. Faltó volumen.
Por supuesto no faltaron temas como “Katrina”, con un oscuro comienzo que simulaba la llegada del huracán, ni tampoco “Bad Kids” (o “Chicos malos” tal y como la banda presentó el tema) o “Hippie Hippie Hoorah” donde los cada vez más adolescentes fans se volvieron locos. También un desgarrador “Lock and key” y un precioso “Dirty Hands” Los temas de su último disco “200 Million Thousand” sonaron muy bien definidos, aunque se echó más de menos esas partes de ruido loco y, en general, algo más de riesgo. Las voces sonaron muy bien empastadas, y hubo momentos sublimes cuando los cuatro se agarraban al micrófono en esos estribillos tan potentes y se unían a Joe Bradley (batería y… ¡cantante!) que desde la retaguardia, en su muy original modo de tocar la batería y cantar a la vez, lo dio todo.
Pero en general faltó fuerza…, y es que su último disco va por otros derroteros más contenidos, más del country, del folk, del pop. Hubo momentos muy buenos donde la caña del grupo nos atrapaba a todos; y entonces la gente comenzaba a subirse al escenario y ellos a tirarse al público, los de seguridad como locos,… caos… Eso es algo habitual en sus espectáculos, lo mismo que elementos como los besos entre Jared y Ian , el “pon mi lengua en tu culo” de Jared, los gapos al aire… Pero no hubo vómitos y meadas, o dicho de otro modo, no hubo ese “nosequé” mágico del grupo del pequeño público, del pequeño club, o que está escondido en pequeñito en un gran cartel del Primavera Sound y toca para cuatro gatos con los que conectan intensamente (doy fe)
Black Lips es un grupo comprometido con la música. No solo crean su propio sello discográfico, “Die Slaughterhaus”, donde comienza su carrera, sino que también son múltiples la formaciones y colaboraciones exteriores que mantienen actualmente, como “Atlas Sound” (colaboración con Bradford Cox de Deerhunter) “The Spooks” (formación especialista en dar conciertos en Halloween) “The Fixed Focus”, “The Original Three”, “The Gaye Blades”, “Incoqnekro”, etc. Han tocado por todo el mundo en poquísimo tiempo (se lo curran bastante, la verdad) y quieren llegar a todas partes, incluso a países en vías de desarrollo menos habituados por las estrellas del rock. Nos queda la duda de hacia dónde tirarán ahora: ¿seguirán subiendo como la espuma o volverán a los orígenes del “fango y la furia”?
Parece que esta semana el Festival de Jazz de Madrid ha empezado a calentarse y aunque la cancelación del concierto de Joe Lovano empañaba el arranque del mismo, la presencia en el cartel del genial trompetista Roy Hargrove, predestinaba ya un inicio explosivo.
Hargrove nació en 1969 (Tejas) y desde que se fue a estudiar a la Berklee College of Music, en 1989, ha estado permanentemente en lo más alto del panorama jazzístico mundial, tocando con músicos ya consagrados como Herbie Hancock, Sonny Rollins o Roy Haynes, sin dejar de tocar con músicos de su generación e incluso músicos dedicados a otros estilos, como Erika Badhu o Common., Y es que los que han seguido su carrera estos años saben que Roy Hargrove es un músico que presta atención a lo que sucede a su alrededor, ha grabado tanto discos de jazz, be-bop, funky o hip-hop, y esto es lo que hace que su música suene siempre actual y absolutamente fresca aunque se presente con una formación de jazz clásico como la que actuó anoche en la Fundación Carlos de Amberes.
El de Roy es un quinteto muy compenetrado, con unos impresionantes músicos que interpretan las piezas con un maravilloso buen gusto y con una excelente precisión, no exenta de cierto descaro. Pero a la vez se ve que esta banda ejecuta las piezas con flexibilidad. El propio trompetista en plena finalización de una bellísima balada gritó a sus compañeros que todavía no acabaran el tema para gustarse tocando un increíble solo sin acompañamiento. Se percibe que manejan una materia viva, algo intangible que van creando a medida que evoluciona cada tema, moldeándolo en el momento, y dejando flotar en el aire una música nueva y fresca, lo que es sumamente complicado cuando tocas música tan antigua como es el jazz.
El quinteto dio dos extensos pases donde interpretó temas a ritmos frenéticos, a veces más cercanos al funk o al latin jazz, subiendo constantemente la intensidad, y donde Montez Coleman, a la batería, pudo dar rienda suelta a su inagotable energía.
Pero también se demostró un toque muy fino cuando interpretaron bellos estándars, donde el sonido que le saca Hargrove al fliscorno es sencillamente abrumador, de una profundidad y una sensibilidad emocionantes; sencillamente, parece que se parara el mundo. Es en esos temas lentos donde Roy suena a trompeta antigua, suena como los clásicos. Realmente es sólo por momentos pues el trompetista tiene un esplendido sonido sumamente reconocible, tan hondo y dulce a la vez que sientes que lo puedes percibir por más sentidos que por el oído. Da la sensación que por momentos llegaras a olerlo, incluso saborearlo y es detrás de ese sonido tan personal donde se desprende cierto regusto a esas influencias clásicas (Miles Davis, o Fats Navarro) Es un detalle que utilizase “The Theme” para presentar a la banda y para anunciar los descansos, tal y como hacía el mismo Miles.
Es de mencionar que el lugar, el teatro de la Fundación Carlos de Amberes, se presta a tan maravilloso evento pues la cercanía y la flexibilidad de la gente de la fundación permite que el músico se sienta cómodo y cercano al espectador condiciones propicias para presenciar un buen concierto de jazz.
Se podría decir que en conjunto el grupo suena levemente a música antigua, a los inicios del jazz, a las bandas de los años cuarenta, pero pasada por el filtro del que es ya, a pesar de su corta edad, uno de los mejores trompetistas de la historia del jazz.
Parece mentira pero tras semejante concierto, no tenían suficiente; cogieron los instrumentos y se fueron a “La Fídula” de la calle huertas, ese pequeño e incondicional reducto del jazz que queda en Madrid.
Y en esa fría noche de Noviembre , en un pequeño bar de jazz se pudo oír otra vez, quizás hasta oler y saborear… “Round Midnight”.
Video y texto: Nuria Grela
Eme es su nombre en las pistas de baile, pero su nombre de pila es Marta.
Esta joven gallega empezó pinchando en fiestas para amigos, dejó su ciudad coruñesa para trasladarse a Madrid siguiendo a un chico del que estaba enamorada. Desde esto han pasado ya nueve años.
Su estreno como dj fue en la cabina del Low hace ya cinco años, época en la que tendía más hacia un estilo indie-rock. Lo suyo con la electrónica llegaría más tarde, hace sólo un año, en el que sufrió una transformación musicalmente hablando. video-emeDe repente pinchó un tema electrónico y la gente se volvió loca bailando, lo que le dio pistas de lo que la gente quería escuchar. Cambió así el cd por los vinilos y el traktor scratch.
Eme no solo es conocida en el panorama nocturno madrileño, en salas como el Ocho y medio, Elástico, Sala Heineken, Clamores, Barbarella Club o el Candi, en el que ha sido residente. La gallega ha recorrido muchas salas españolas como el Fever (Bilbao), Fellini, La Paloma, Zen Club y Razzmatazz (Barcelona), Stereo (Alicante), Camelot (Elche), Playa Club y Telefunken (A Coruña), Karma (Pontevedra), The Mill (Valencia), Bass Space (Zaragoza), La Fábrica de Chocolate (Vigo), y ha viajado varias veces a Londres para pinchar en la fiesta de la revista inglesa New Musical Expres (NME) en el prestigioso KoKo Club
Su música también triunfó en festivales como el FIB, o en la sala vip del concierto de Madonna en Madrid.
Su próxima sesión es el miércoles 21 en Aguacate.
Video y texto: Nuria Grela
